Archives
Parcours des Mondes 2025
Explorez le reste de la collection
Parcours des Mondes 2025
Julien Flak
Ibeji
Archives | Nigeria
Ibeji
Nigeria
Figures de jumeaux Ere Ibeji
Yoruba, Style Omu Aran
Région d’Igbomina, Nigeria
Début du XXe siècle
Bois sculpté, perles
Hauteur : 27 cm
Provenance
Collection Mareidi & Gert Stoll, Munich
Collection Nina & Henrikus Simonis, Düsseldorf
Collection Hilde & Dieter Scharf, Hambourg, acquis des précédents dans les années 1990
Publications
« Ibeji. Zwillingsfiguren der Yoruba – Twin Figures of the Yoruba », Stoll, G. & M., Munich, 1980, p. 319, n° 219
« Sehen lernen. Eine Sammlung afrikanischer Figuren », Heymer, K. & Thompson, J., Cologne, 1999, pp. 58 & 59, n°19
« Figuren Afrikas. Meisterwerke einer Privatsammlung », Rochard, P. & al., Ingelheim-am-Rhein, 2002, pp. 28 & 29, n°2
« Afrika und die Kunst. Einblicke in deutsche Privatsammlungen », Hecht, D. & Kawik, G., Berlin, 2010, pp. 358 & 359
Exposition
« Figuren Afrikas. Meisterwerke einer Privatsammlung », Ingelheim-am-Rhein, Altes Rathaus, 28 avril – 7 juillet 2002
Vendu
Les statuettes liées au culte des jumeaux sont appelées ere ibeji en langue Yoruba : ere signifiant image sacrée, ibi né et eji double.
Symboles de prestige, de richesse et de fécondité, les ere ibeji garantissaient également la perpétuation des générations. Ces effigies d’ancêtres faisaient partie intégrante de la vie quotidienne et rythmaient la vie familiale chez les Yoruba. Soumis à des rites codifiés, les ere ibeji étaient choyés, nourris, soignés, huilés, lavés. Ils étaient considérés comme des êtres vivants, réincarnation des jumeaux-ancêtres. Ils étaient toujours représentés dans la force et la puissance de l’âge adulte.
Symboles de prestige, de richesse et de fécondité, les ere ibeji garantissaient également la perpétuation des générations. Ces effigies d’ancêtres faisaient partie intégrante de la vie quotidienne et rythmaient la vie familiale chez les Yoruba. Soumis à des rites codifiés, les ere ibeji étaient choyés, nourris, soignés, huilés, lavés. Ils étaient considérés comme des êtres vivants, réincarnation des jumeaux-ancêtres. Ils étaient toujours représentés dans la force et la puissance de l’âge adulte.
Publication
Explorez le reste de la collection
Archives
Décor de bouche
Archives | Nouvelle-Irlande
Décor de bouche
Nouvelle-Irlande
Ornement de bouche en forme d’oiseau Calao pour les cérémonies du Malagan
Nouvelle-Irlande, Archipel Bismarck, Papouasie-Nouvelle-Guinée
Début du XXe siècle ou antérieur
Bois, pigments, perles, opercule de turbo
Longueur : 25 cm
Provenance
Collection Georges Goldfayn (1933- 2019), France
Collection Docteur Jean-Philippe Beaulieu, France
Vendu
Cette sculpture figurant un oiseau est un ornement de bouche qui était tenu entre les dents par un danseur ou parfois placé dans la bouche d’un masque lors des cérémonies rituelles du Malangan (Malagan).
Concernant la provenance, Georges Goldfayn (1933-2019) était un auteur, éditeur, hommes de lettres et de cinéma vivant à Paris. Passionné d'art, il a fréquenté le cercle surréaliste à Paris à partir de 1950. Intime d’André Breton, Georges Goldfayn a notamment participé fin 1952 au lancement de la galerie À l'Étoile scellée, 11 rue du Pré-aux-Clercs à Paris dont Breton était directeur artistique et Goldfayn l’administrateur.
Sous l’égide d’André Breton, il a commencé à collectionner de l’art océanien ainsi que des sculptures d’Amérique du Nord dès les années 1950 et a continué à le faire jusqu’à sa mort.
Concernant la provenance, Georges Goldfayn (1933-2019) était un auteur, éditeur, hommes de lettres et de cinéma vivant à Paris. Passionné d'art, il a fréquenté le cercle surréaliste à Paris à partir de 1950. Intime d’André Breton, Georges Goldfayn a notamment participé fin 1952 au lancement de la galerie À l'Étoile scellée, 11 rue du Pré-aux-Clercs à Paris dont Breton était directeur artistique et Goldfayn l’administrateur.
Sous l’égide d’André Breton, il a commencé à collectionner de l’art océanien ainsi que des sculptures d’Amérique du Nord dès les années 1950 et a continué à le faire jusqu’à sa mort.
Documentation
Danseurs avec un décor de bouche calao
Photographie, 1909
© Institute of Historical and Cultural Anthropology – Universität Tübingen.
Courtesy Jean-Philippe Beaulieu archives
Publication
Documentation
Explorez le reste de la collection
Archives
Figure Okvik OBS I
Archives | Alaska
Figure Okvik OBS I
Alaska
Figure humaine
Culture Okvik, Old Bering Sea I
Eskimo archaïque
Ile de Saint-Laurent, Alaska
200 avant J.C. – 100 après J.C.
Dent de morse sculptée
Hauteur : 6.5 cm
Provenance
Collection privée, Sante Fe, Etats-Unis
Collection Chester BC Dentan, Sante Fe, Etats-Unis
Figure Okvik 6.5 cm / Galerie Flak
vendu
Cette figure hiératique en ivoire fossilisé constitue un témoignage rarissime et archétypal de l’art eskimo archaïque. Cette œuvre s’inscrit dans le corpus restreint du grand art classique de la culture Okvik (Old Bering Sea I) qui est née et s’est développée sur l’île Saint-Laurent (St. Lawrence Island) au sud du Détroit de Béring il y a plus de 2000 ans.
Les figures Okvik en ivoire marin étaient utilisées lors de cérémonies liées à la fertilité et la guérison ou pour assurer des pêches et chasses fructueuses.
Objets de transmission de savoir et supports pour les pratiques chamaniques, ces sculptures constituaient un canal de communication privilégié avec le monde invisible des esprits.
Cette figure humaine se caractérise par la pureté et l’allongement de ses lignes. Le traitement du visage rappelle avec évidence les oeuvres de grands artistes du XXe siècle, tels qu’Amedeo Modigliani ou Constantin Brancusi.
Les figures Okvik en ivoire marin étaient utilisées lors de cérémonies liées à la fertilité et la guérison ou pour assurer des pêches et chasses fructueuses.
Objets de transmission de savoir et supports pour les pratiques chamaniques, ces sculptures constituaient un canal de communication privilégié avec le monde invisible des esprits.
Cette figure humaine se caractérise par la pureté et l’allongement de ses lignes. Le traitement du visage rappelle avec évidence les oeuvres de grands artistes du XXe siècle, tels qu’Amedeo Modigliani ou Constantin Brancusi.
Publication
Explorez le reste de la collection
Archives
Figure Malagan
Archives | Nouvelle-Irlande
Figure Malagan
Nouvelle-Irlande
Effigie Malagan
Nouvelle-Irlande
Début du XXe siècle
Bois sculpté, pigments et coquillages
Hauteur : 145 cm
Provenance
Galerie Le Corneur Roudillon, Paris
Collection Roberto Matta (1911-2002), New York / Paris
Offerte par l’artiste à son fils, Ramuntcho Matta, Paris en 1976
Acquise chez Ramuntcho Matta en 2025
Vendu
Les artistes surréalistes comme Roberto Matta à qui appartenait cette figure, Max Ernst ou encore André Breton étaient fascinés par les arts d’Océanie et la Nouvelle-Irlande en particulier. Ils voyaient dans ces arts une source de « sublime poétique » qui correspondait à leur quête de libération de l’imagination et de l’expression poétique au-delà de la raison.
Cette sculpture figure un personnage humain se tenant debout et intégrant des représentations animales.
Cette sculpture était présentée rituellement lors des célébrations du Malagan. Ces cérémonies constituaient l’acte final du deuil pour des ancêtres importants. Elles permettaient notamment de restaurer l'harmonie sociale.
La statue figure des motifs ancestraux propres à l'individu ou au clan. Elle n'est pas à proprement parler le portrait du défunt « mais plutôt une représentation de l'énergie vitale qui l'a engendré et animé » (voir à ce sujet "Arts Rituels d’Océanie, Nouvelle-Irlande", Michael Gunn, 1997, p. 49). Comme l’indique Philippe Peltier dans "Nouvelle-Irlande, Arts du Pacifique Sud" (musée du quai Branly, 2006, p. 78), le Malagan permettait de capter l’énergie de l'ancêtre, de la canaliser et de la redistribuer entre les membres du clan afin de rétablir l’équilibre dans la société des vivants.
La sculpture présentée ici se distingue par sa poésie et sa force d’évocation. Elle constitue un éclatant exemple de l'art classique de Nouvelle-Irlande.
Cette sculpture figure un personnage humain se tenant debout et intégrant des représentations animales.
Cette sculpture était présentée rituellement lors des célébrations du Malagan. Ces cérémonies constituaient l’acte final du deuil pour des ancêtres importants. Elles permettaient notamment de restaurer l'harmonie sociale.
La statue figure des motifs ancestraux propres à l'individu ou au clan. Elle n'est pas à proprement parler le portrait du défunt « mais plutôt une représentation de l'énergie vitale qui l'a engendré et animé » (voir à ce sujet "Arts Rituels d’Océanie, Nouvelle-Irlande", Michael Gunn, 1997, p. 49). Comme l’indique Philippe Peltier dans "Nouvelle-Irlande, Arts du Pacifique Sud" (musée du quai Branly, 2006, p. 78), le Malagan permettait de capter l’énergie de l'ancêtre, de la canaliser et de la redistribuer entre les membres du clan afin de rétablir l’équilibre dans la société des vivants.
La sculpture présentée ici se distingue par sa poésie et sa force d’évocation. Elle constitue un éclatant exemple de l'art classique de Nouvelle-Irlande.
Publication
Explorez le reste de la collection
Archives
Masque Vuvi
AfriQue | Gabon
Masque Vuvi
Gabon
Début du XXe siècle
Bois sculpté, pigments et raphia
Hauteur : 34 cm
Provenance
Collection privée, France, depuis les années 1970
Collection Renaud Vanuxem, Paris
Masque Vuvi 34 cm / Galerie Flak
Prix : nous consulter
Également connus sous le nom de Pubi, Vouvi ou Puvi, les Vuvi du centre du Gabon organisaient des cérémonies masquées au cours desquelles figuraient plusieurs masques, chacun doté d’un nom et d’une personnalité distincts. Comme le souligne Charlotte Grand-Dufay ("Tribal Art", 2013), les Vuvi partagent un univers culturel avec les Fang et les Tsogho, et leurs « masques blancs » abstraits en témoignent. Ils se distinguent par "leur face 'presque plane' en forme d'écu, rectangulaire ou ovale et par les traits du visage concentrés dans la partie supérieure [...]. Ils représentent des entités mythico-légendaires, tel le masque blanc figurant la lune [et relèvent] des sociétés initiatiques du Bwete Disumba et du Mureli".
La publication "Les forêts natales – Arts de l’Afrique équatoriale atlantique" (musée du quai Branly - Jacques Chirac, 2017, p. 324) présente un masque très proche, conservé dans les collections du Musée National d’Art Moderne (Centre Pompidou, Paris, inv. AM 1984-349).
La publication "Les forêts natales – Arts de l’Afrique équatoriale atlantique" (musée du quai Branly - Jacques Chirac, 2017, p. 324) présente un masque très proche, conservé dans les collections du Musée National d’Art Moderne (Centre Pompidou, Paris, inv. AM 1984-349).
Publication
Explorez le reste de la collection
AfriQue
Figure Hemba
AfriQue | République Démocratique du Congo
Figure Hemba
République Démocratique du Congo
Portrait commémoratif de chef
Figure Singiti
Hemba
XIXe siècle ou début du XXe siècle
Bois sculpté
Hauteur : 86.5 cm
Provenance
Collecté par Jo Christiaens dans les années 1970
Collection Mia van Bussel, Amsterdam
Collection Kevin Conru, Bruxelles
Collection Adrian Schlag, Bruxelles
Collection Guilhem Montagut, Barcelone
Publication
« Lexikon der Afrikanischen Kunst », Karl-Ferdinand Schaedler, Munich, 1994, page 242
Figure Hemba 86.5 cm / Galerie Flak
Prix : nous consulter
Ainsi que l'indique François Neyt dans "La grande statuaire Hemba du Zaïre", si l'identité des chefs qu'elles commémoraient est aujourd'hui perdue, les effigies d'ancêtre visaient chez les Hemba à perpétuer la mémoire de la personnalité qu'elles honoraient. Ces statues faisaient l'objet d'un culte fondé sur le système de parenté et sur la notion de protection et de survie du lignage. « Les clans Hemba, relativement indépendants les uns des autres, possédaient leur propre histoire et leurs arbres généalogiques, parfaitement connus, remontant allègrement à huit, dix, voire quinze générations, étaient essentiels notamment pour justifier la propriété du sol ». Ces figures d'ancêtre commémorant la figure d'un chef constituaient les jalons de cette généalogie, en même temps qu'elles protégeaient le chef et les membres du clan.
Comme l'indique le Metropolitan Museum of Art de New York, les artistes Hemba soulignaient particulièrement deux éléments dans la représentation de ces figures : la tête et notamment le regard, site de l'intelligence et de la connaissance, et le nombril, point de connexion avec la lignée étendue. Chaque chef Hemba héritait d'une série d'effigies de ce type. Ces sculptures étaient conservées dans une hutte cérémonielle dédiée. Celle-ci était édifiée au centre du village, à proximité de la maison du chef.
Comme l'indique le Metropolitan Museum of Art de New York, les artistes Hemba soulignaient particulièrement deux éléments dans la représentation de ces figures : la tête et notamment le regard, site de l'intelligence et de la connaissance, et le nombril, point de connexion avec la lignée étendue. Chaque chef Hemba héritait d'une série d'effigies de ce type. Ces sculptures étaient conservées dans une hutte cérémonielle dédiée. Celle-ci était édifiée au centre du village, à proximité de la maison du chef.
Explorez le reste de la collection
AfriQue
Poupée Kachina
Archives | Arizona
Poupée Kachina
Arizona
Kachina Maïs
Œuvre du chef Hopi Wilson Tawaquaptewa, Oraibi (1873-1960)
Hopi, Arizona, USA
Années 1930
Bois sculpté (cottonwood), pigments
Hauteur : 29 cm
Provenance
Collection Enrico Donati (1909-2008), New York
Sotheby’s New York « Important American Indian, African, Oceanic and other Works of Art from the Studio of Enrico Donati », 14 mai 2010, lot 5
Collection Sheikh Saud Al-Thani, Qatar, acquis à la vente ci-dessus
Vendu
Les poupées Kachina (Katsinam) représentent les esprits ou dieux du panthéon des Indiens Pueblo du Sud-Ouest des États-Unis. Offertes aux enfants, les Kachinas constituaient un outil pédagogique leur permettant de se familiariser avec le monde spirituel et de perpétuer la connaissance des mythes fondateurs au sein de la société.
Cette figure est l'oeuvre du sculpteur Wilson Tawaquaptewa (1873-1960). Tawaquaptewa était un grand chef religieux du village Hopi d'Oraibi et maître sculpteur. Il a travaillé entre les années 1890 et les années 1950. Tout en s’appuyant rigoureusement sur les techniques rituelles de sculpture des Kachinas, W. Tawaquaptewa mêlait généralement dans ses oeuvres des motifs issus de la symbolique Hopi ancestrale et des éléments de création personnelle (agencements de formes, de motifs et de couleurs).
Il s’agit de l’un des rares sculpteurs Hopi dont on puisse identifier aujourd’hui le style et l’œuvre, et qui a fait l'objet de plusieurs expositions récentes dans des musées nord-américains.
La palette de couleurs utilisée et le style de cette kachina sont pleinement caractéristiques de son oeuvre.
Pour davantage d'information sur ce sculpteur, on se réfèrera au chapitre "Les Kachinas Uniques de Wilson Tawaquaptewa" dans l'ouvrage "L'Appel des Kachinas - Katsina Calling", pages 60 à 72 (B. Walsh, J. Flak, 2024).
Cette Kachina faisait partie de la collection de l’artiste surréaliste Enrico Donati (1909-2008), une figure marquante du surréalisme, d’origine italienne, qui s’est d’abord illustré par une formation en sociologie et en musique avant de se tourner vers la peinture. Installé à Paris puis à New York, il rejoint le cercle rapproché d’André Breton et d’autres figures majeures du mouvement, apportant un souffle neuf au surréalisme grâce à ses œuvres empreintes de mystère et de formes organiques.
Dans les années 1930, Donati développe un véritable goût pour les arts amérindiens. Fasciné par les objets rituels et la dimension magique de l’art autochtone, il visite les réserves indiennes du Sud-Ouest américain et du nord du Canada, vivant plusieurs mois auprès des Apaches, Hopis, Zunis et des Inuits. Donati échange alors des objets européens contre des Kachinas, des paniers et des masques, constituant une riche collection qui marquera durablement son imaginaire.
Cette immersion ne se traduit pas, chez Donati, par l’imitation formelle de l’esthétique amérindienne, mais par l’intégration d’un esprit « primal » et magique, cherchant à révéler, à travers la matière et la texture, ce qui échappe au visible. Pour lui, l’art amérindien agit comme un catalyseur de forces mystérieuses, une approche qu’il s’efforce de retrouver dans ses propres œuvres surréalistes, où mythes, énigmes et symboles dialoguent constamment avec le monde inconnu.
Pour de plus amples informations sur l’importance des arts amérindiens pour Enrico Donati, on se référera au chapitre « Surréalisme et Hopimania » de Marie Mauzé publié dans L’Appel des Kachinas - Katsina Calling (Éditions l’Enfance de l’Art, 2024).
Cette figure est l'oeuvre du sculpteur Wilson Tawaquaptewa (1873-1960). Tawaquaptewa était un grand chef religieux du village Hopi d'Oraibi et maître sculpteur. Il a travaillé entre les années 1890 et les années 1950. Tout en s’appuyant rigoureusement sur les techniques rituelles de sculpture des Kachinas, W. Tawaquaptewa mêlait généralement dans ses oeuvres des motifs issus de la symbolique Hopi ancestrale et des éléments de création personnelle (agencements de formes, de motifs et de couleurs).
Il s’agit de l’un des rares sculpteurs Hopi dont on puisse identifier aujourd’hui le style et l’œuvre, et qui a fait l'objet de plusieurs expositions récentes dans des musées nord-américains.
La palette de couleurs utilisée et le style de cette kachina sont pleinement caractéristiques de son oeuvre.
Pour davantage d'information sur ce sculpteur, on se réfèrera au chapitre "Les Kachinas Uniques de Wilson Tawaquaptewa" dans l'ouvrage "L'Appel des Kachinas - Katsina Calling", pages 60 à 72 (B. Walsh, J. Flak, 2024).
Cette Kachina faisait partie de la collection de l’artiste surréaliste Enrico Donati (1909-2008), une figure marquante du surréalisme, d’origine italienne, qui s’est d’abord illustré par une formation en sociologie et en musique avant de se tourner vers la peinture. Installé à Paris puis à New York, il rejoint le cercle rapproché d’André Breton et d’autres figures majeures du mouvement, apportant un souffle neuf au surréalisme grâce à ses œuvres empreintes de mystère et de formes organiques.
Dans les années 1930, Donati développe un véritable goût pour les arts amérindiens. Fasciné par les objets rituels et la dimension magique de l’art autochtone, il visite les réserves indiennes du Sud-Ouest américain et du nord du Canada, vivant plusieurs mois auprès des Apaches, Hopis, Zunis et des Inuits. Donati échange alors des objets européens contre des Kachinas, des paniers et des masques, constituant une riche collection qui marquera durablement son imaginaire.
Cette immersion ne se traduit pas, chez Donati, par l’imitation formelle de l’esthétique amérindienne, mais par l’intégration d’un esprit « primal » et magique, cherchant à révéler, à travers la matière et la texture, ce qui échappe au visible. Pour lui, l’art amérindien agit comme un catalyseur de forces mystérieuses, une approche qu’il s’efforce de retrouver dans ses propres œuvres surréalistes, où mythes, énigmes et symboles dialoguent constamment avec le monde inconnu.
Pour de plus amples informations sur l’importance des arts amérindiens pour Enrico Donati, on se référera au chapitre « Surréalisme et Hopimania » de Marie Mauzé publié dans L’Appel des Kachinas - Katsina Calling (Éditions l’Enfance de l’Art, 2024).
Explorez le reste de la collection
Archives
Poupée Kachina
AmériQue du Nord | Arizona
Poupée Kachina
Arizona
Umtoinaqa Katsina – Kachina du Tonnerre
Œuvre du chef Hopi Wilson Tawaquaptewa Oraibi (1873-1960)
Hopi, Arizona, USA
Années 1930
Bois sculpté (cottonwood), pigments
Hauteur : 47.5 cm
Provenance
Collection Enrico Donati (1909-2008), New York
Sotheby’s New York « Important American Indian, African, Oceanic and other Works of Art from the Studio of Enrico Donati », 14 mai 2010, lot 6
Collection Sheikh Saud Al-Thani, Qatar, acquis à la vente ci-dessus
Exposition et Publication
« The Surreal World of Enrico Donati », Timothy Anglin Burgard, Fine Arts Museum of San Francisco, de Young Museum, juin-septembre 2007, p. 53.
Kachina du Tonnerre Tawaquaptewa Donati 47.5 cm / Galerie Flak
Prix : nous contacter
Les poupées kachina (katsinam) représentent les esprits ou dieux du panthéon des Indiens Pueblo du Sud-Ouest des États-Unis. Offertes aux enfants, les kachinas constituaient un outil pédagogique leur permettant de se familiariser avec le monde spirituel et de perpétuer la connaissance des mythes fondateurs au sein de la société.
Cette kachina est l'oeuvre du sculpteur Wilson Tawaquaptewa (1873-1960). Tawaquaptewa était un grand chef religieux du village Hopi d'Oraibi et maître sculpteur. Il a travaillé entre les années 1890 et les années 1950. Tout en s’appuyant rigoureusement sur les techniques rituelles de sculpture des kachinas, W. Tawaquaptewa mêlait généralement dans ses kachinas des éléments de la symbolique hopi ancestrale et des éléments de création personnelle (agencements de formes, de motifs et de couleurs).
Il s’agit de l’un des rares sculpteurs Hopi dont on puisse identifier aujourd’hui le style et l’œuvre, et qui a fait l'objet de plusieurs expositions récentes dans des musées nord-américains.
La palette de couleurs utilisée et le style de cette kachina sont pleinement caractéristiques de son oeuvre.
Pour davantage d'information sur ce sculpteur, on se réfèrera au chapitre "Les Kachinas Uniques de Wilson Tawaquaptewa" dans l'ouvrage "L'Appel des Kachinas - Katsina Calling", pages 60 à 72 (B. Walsh, J. Flak, 2024).
Cette exceptionnelle Kachina était l’un des fleurons de la collection de l’artiste surréaliste Enrico Donati (1909-2008), une figure marquante du surréalisme, d’origine italienne, qui s’est d’abord illustré par une formation en sociologie et en musique avant de se tourner vers la peinture. Installé à Paris puis à New York, il rejoint le cercle rapproché d’André Breton et d’autres figures majeures du mouvement, apportant un souffle neuf au surréalisme grâce à ses œuvres empreintes de mystère et de formes organiques.
Dans les années 1930, Donati développe un véritable goût pour les arts amérindiens. Fasciné par les objets rituels et la dimension magique de l’art autochtone, il visite les réserves indiennes du Sud-Ouest américain et du nord du Canada, vivant plusieurs mois auprès des Apaches, Hopis, Zunis et des Inuits. Donati échange alors des objets européens contre des Kachinas, des paniers et des masques, constituant une riche collection qui marquera durablement son imaginaire.
Cette immersion ne se traduit pas, chez Donati, par l’imitation formelle de l’esthétique amérindienne, mais par l’intégration d’un esprit « primal » et magique, cherchant à révéler, à travers la matière et la texture, ce qui échappe au visible. Pour lui, l’art amérindien agit comme un catalyseur de forces mystérieuses, une approche qu’il s’efforce de retrouver dans ses propres œuvres surréalistes, où mythes, énigmes et symboles dialoguent constamment avec le monde inconnu.
Pour de plus amples informations sur l’importance des arts amérindiens pour Enrico Donati, on se référera au chapitre « Surréalisme et Hopimania » de Marie Mauzé publié dans L’Appel des Kachinas - Katsina Calling (Éditions l’Enfance de l’Art, 2024).
Cette kachina est l'oeuvre du sculpteur Wilson Tawaquaptewa (1873-1960). Tawaquaptewa était un grand chef religieux du village Hopi d'Oraibi et maître sculpteur. Il a travaillé entre les années 1890 et les années 1950. Tout en s’appuyant rigoureusement sur les techniques rituelles de sculpture des kachinas, W. Tawaquaptewa mêlait généralement dans ses kachinas des éléments de la symbolique hopi ancestrale et des éléments de création personnelle (agencements de formes, de motifs et de couleurs).
Il s’agit de l’un des rares sculpteurs Hopi dont on puisse identifier aujourd’hui le style et l’œuvre, et qui a fait l'objet de plusieurs expositions récentes dans des musées nord-américains.
La palette de couleurs utilisée et le style de cette kachina sont pleinement caractéristiques de son oeuvre.
Pour davantage d'information sur ce sculpteur, on se réfèrera au chapitre "Les Kachinas Uniques de Wilson Tawaquaptewa" dans l'ouvrage "L'Appel des Kachinas - Katsina Calling", pages 60 à 72 (B. Walsh, J. Flak, 2024).
Cette exceptionnelle Kachina était l’un des fleurons de la collection de l’artiste surréaliste Enrico Donati (1909-2008), une figure marquante du surréalisme, d’origine italienne, qui s’est d’abord illustré par une formation en sociologie et en musique avant de se tourner vers la peinture. Installé à Paris puis à New York, il rejoint le cercle rapproché d’André Breton et d’autres figures majeures du mouvement, apportant un souffle neuf au surréalisme grâce à ses œuvres empreintes de mystère et de formes organiques.
Dans les années 1930, Donati développe un véritable goût pour les arts amérindiens. Fasciné par les objets rituels et la dimension magique de l’art autochtone, il visite les réserves indiennes du Sud-Ouest américain et du nord du Canada, vivant plusieurs mois auprès des Apaches, Hopis, Zunis et des Inuits. Donati échange alors des objets européens contre des Kachinas, des paniers et des masques, constituant une riche collection qui marquera durablement son imaginaire.
Cette immersion ne se traduit pas, chez Donati, par l’imitation formelle de l’esthétique amérindienne, mais par l’intégration d’un esprit « primal » et magique, cherchant à révéler, à travers la matière et la texture, ce qui échappe au visible. Pour lui, l’art amérindien agit comme un catalyseur de forces mystérieuses, une approche qu’il s’efforce de retrouver dans ses propres œuvres surréalistes, où mythes, énigmes et symboles dialoguent constamment avec le monde inconnu.
Pour de plus amples informations sur l’importance des arts amérindiens pour Enrico Donati, on se référera au chapitre « Surréalisme et Hopimania » de Marie Mauzé publié dans L’Appel des Kachinas - Katsina Calling (Éditions l’Enfance de l’Art, 2024).
Publication
Explorez le reste de la collection
AmériQue du Nord
Figure Songye
AfriQue | République Démocratique du Congo
Figure Songye
République Démocratique du Congo
Figure de pouvoir Nkisi
Songye
XIXe siècle ou début du XXe siècle
Bois sculpté et métal
Hauteur : 12 cm
Provenance
Collection Karel Plasmans, Belgique
Collection Guilhem Montagut, Barcelone
Figure Songye Plasmans 12 cm / Galerie Flak
Prix : nous consulter
Les Songye sont un peuple d’Afrique Centrale présent dans le sud-est de la République Démocratique du Congo, près de la rivière Lomami. L’organisation politique des Songye est centrée autour de la personnalité du chef, figure sacrée et bénéfique, disposant d’un pouvoir magico-religieux. Des sociétés secrètes structurent également la vie sociale, politique et religieuse et en assurent l'équilibre.
Les fétiches et les amulettes (boanga ou nganga) ainsi que les figures de pouvoir (nkishi) sont des objets omniprésents chez les Songye dont la vie sociale est imprégnée par la magie. Ces figures apportent la richesse, la fécondité et assurent le succès. Elles ont également pour fonction de protéger contre les forces hostiles, telles que la foudre ou encore la maladie. La corne d’antilope qui surmonte la tête de la sculpture contenait la « médecine » qui transmetttait à son possesseur la force et la puissance magique requise.
Les fétiches et les amulettes (boanga ou nganga) ainsi que les figures de pouvoir (nkishi) sont des objets omniprésents chez les Songye dont la vie sociale est imprégnée par la magie. Ces figures apportent la richesse, la fécondité et assurent le succès. Elles ont également pour fonction de protéger contre les forces hostiles, telles que la foudre ou encore la maladie. La corne d’antilope qui surmonte la tête de la sculpture contenait la « médecine » qui transmetttait à son possesseur la force et la puissance magique requise.
Publication
Explorez le reste de la collection
AfriQue